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Reconstructing Film Music

Philip Lane

Publication: The Creel, Volume 3, Number 5, Issue Number 12, Spring I998

Publisher: Alan Rawsthorne Society and The Rawsthorne Trust

Text reproduced by kind permission of the Rawsthorne Trust

When I tell relatives, friends or colleagues that I have been reconstructing old film scores, a polite if somewhat blank expression usually passes over their faces. I am sure they are conjuring up images of scissors and sellotape, and although I do use such things occasionally, they are not pivotal to my endeavours. What I do requires much more than pencil and rubber and a cassette machine, since what I am involved in is a series of extended aural tests.

Since the first question tends to be: 'Why?', I'll start there. When music was recorded for film, no-one, not even the composer, thought it would be required again, so the material was usually collected up and binned. There were obviously exceptions. Composers from the concert tradition, as opposed to those primarily involved in commercial music, sometimes saw their film music as just another composition and saved evidence of their work in terms of sketches, short scores or even the completed scores themselves. That is not to say that every 'serious' composer kept his scores and others did not. There were more factors in the equation. Remember that we are talking of a time before photocopying made it easy to keep a record of one's work. And too often the film companies saw the score of a film as their physical property and kept it. Pinewood Studios had a treasure trove of film material. I remember Muir Mathieson telling me, shortly before his death in 1975, of the day he received a call from the librarian there that he should come down and take anything he wanted because the building was being bulldozed the next day with the scores inside it. He did, and retrieved parts of Walton's Henry V, and others. Ernest Irving, musical director of the Ealing Studios up to his death in 1953, had film scores he had commissioned bound on shelves in his flat at the studio. When the BBC bought the studio a few years later, they went in a skip; this accounts for the particular scarcity of Ealing material. I found a few scraps at the home of Irving's successor, Dock Mathieson, and returned them to their respective composers or estates, including Walton, Arnold, and Alwyn.

I have been a fan of film and film music ever since childhood, but my first chance to be involved in reconstructing such music came when supervising the recording of a CD of Richard Addinsell's music, shortly after having been appointed his musical executor. In his case, there were published suites from some of the films, and he had managed to keep some scores either in full score or sketch form. However, one 'title' we had to have on the disc was the original version of Goodbye Mr Chips, for which all that remained in the archives was a piano copy of the school song with words by Eric Maschwitz. So I taped the opening credits sequence from my video and played it over and over again on a cassette player next to the piano until I had something down on paper. In this particular case what I had was a little short. There were strange repeats that were obviously done at the last minute (judging by the poor editing) and there was a choir singing that I knew we could not have at the recording. So I rewrote the piece to make it work as a separate concert item. I repeated the process more recently with Kind Hearts and Coronets on the Ealing album. Since the majority of music in the film is connected with two pieces of Mozart, the record company agreed that the best way of representing the film and its music on the CD was for me to compose a mock-Mozart overture using the themes.

This is one form of working, but it is usually the rarest. Most of the time, the record companies (since everything I do is for immediate commercial recording) want a faithful transcription either of one cue, or a similarly faithful combination of a series of cues.

In the case of The Cruel Sea, the record company wanted the opening titles and the scene of the shipwreck's aftermath, as the various characters flashback in their minds to previous events. The obvious way of handling this was to make an ABA piece with an adjusted ending. Obviously, I had only the soundtrack to work from and at one or two points in the 'Nocturne' section the dialogue and sound effects masked the music, requiring a few guesses from me as to what Rawsthorne might have done. Only he knows how well, or otherwise, I did the job.

The process of film score reconstruction does not get easier, but some films are easier than others. The biggest enemy is the combination of dialogue and sound effects over the music, and just occasionally there are seconds of total inaudibility when a little guesswork has to replace authenticity. The greater the composer, the more difficult the work, on the whole, since the melodic and harmonic language tends to be more adventurous. In the case of recent scores, there are usually soundtrack CDs devoid of intrusive extraneous sounds to work from. And despite the change in status of film music, present-day composers still mislay scores. I have reconstructed music by Jerry Goldsmith, Randy Edelman and James Horner in the last year alone. So far, I have not received any negative mail from these gentlemen regarding my handiwork —but it cannot last forever!

Obviously, if the composers are still alive, I try to encourage them to do the reconstruction themselves. So far they have declined for various reasons. However, I may have succeeded at last with one British composer whose experience is particularly sad. He had the full score to a film but was suddenly called up by Rank to return it to them; unwisely, he did not make a copy of it, but dutifully returned the original score as requested. A few years later, he asked whether he could have a copy of it because he wanted to make a concert suite, only to be told it had been destroyed — not by accident but by design.

Meanwhile, I am happy to be dipping my toe in the great sea of film music I have admired and loved for years. And when one is asked to work on absolute favourite films of all time, the job is even more rewarding. I have managed to do this with several projects — The Quiet Man (complete), The 39 Steps, and other Ealing productions, and Goodbye Mr Chips. Whether they are favourites or not, the process is repeatedly satisfying — from scribbling down a piano score and orchestrating it, to producing the performance in the studio. The only bigger thrill is when the music is my own.

PHILIP LANE is a composer and arranger, and most recently record producer who has specialised in reconstructing classic film scores for CD release. Among his recordings have been a Hitchcock compilation, Greek film music, The Quiet Man, two albums of music by Richard Addinsell, and 'The Ladykillers', dedicated to Ealing Studios films of the '40s and '50s. In addition, he has produced discs of concert music, from English string orchestral works, through to Gilbert and Sullivan overtures and a suite from the late Paul Reade's last staged ballet score, Far from the Madding Crowd. Forthcoming projects include a disc of British Light Overtures and a CD wholly devoted to the music of Alan Rawsthorne.

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City of fear Score

by Quentin Billard • 30 May, 2024

INTRADA RECORDS Time: 29/40 - Tracks: 15 _____________________________________________________________________________ Polar mineur à petit budget datant de 1959 et réalisé par Irving Lerner, « City of Fear » met en scène Vince Edwards dans le rôle de Vince Ryker, un détenu qui s’est évadé de prison avec un complice en emportant avec lui un conteneur cylindrique, croyant contenir de l’héroïne. Mais ce que Vince ignore, c’est que le conteneur contient en réalité du cobalt-60, un matériau radioactif extrêmement dangereux, capable de raser une ville entière. Ryker se réfugie alors dans une chambre d’hôtel à Los Angeles et retrouve à l’occasion sa fiancée, tandis que le détenu est traqué par la police, qui va tout faire pour retrouver Ryker et intercepter le produit radioactif avant qu’il ne soit trop tard. Le scénario du film reste donc très convenu et rappelle certains polars de l’époque (on pense par exemple à « Panic in the Streets » d’Elia Kazan en 1950, sur un scénario assez similaire), mais l’arrivée d’une intrigue en rapport avec la menace de la radioactivité est assez nouvelle pour l’époque et inspirera d’autres polars par la suite (cf. « The Satan Bug » de John Sturges en 1965). Le film repose sur un montage sobre et un rythme assez lent, chose curieuse pour une histoire de course contre la montre et de traque policière. A vrai dire, le manque de rythme et l’allure modérée des péripéties empêchent le film de décoller vraiment : Vince Edwards se voit confier ici un rôle solide, avec un personnage principal dont la santé ne cessera de se dégrader tout au long du film, subissant la radioactivité mortelle de son conteneur qu’il croit contenir de l’héroïne. Autour de lui, quelques personnages secondaires sans grand relief et toute une armada de policiers sérieux et stressés, bien déterminés à retrouver l’évadé et à récupérer le cobalt-60. Malgré l’interprétation convaincante de Vince Edwards (connu pour son rôle dans « Murder by Contract ») et quelques décors urbains réussis – le tout servi par une atmosphère de paranoïa typique du cinéma américain en pleine guerre froide - « City of Fear » déçoit par son manque de moyen et d’ambition, et échoue finalement à susciter le moindre suspense ou la moindre tension : la faute à une mise en scène réaliste, ultra sobre mais sans grande conviction, impersonnelle et peu convaincante, un comble pour un polar de ce genre qui tente de suivre la mode des films noirs américains de l’époque, mais sans réelle passion. Voilà donc une série-B poussiéreuse qui semble être très rapidement tombée dans l’oubli, si l’on excepte une récente réédition dans un coffret DVD consacré aux films noirs des années 50 produits par Columbia Pictures. Le jeune Jerry Goldsmith signa avec « City of Fear » sa deuxième partition musicale pour un long-métrage hollywoodien en 1959, après le western « Black Patch » en 1957. Le jeune musicien, alors âgé de 30 ans, avait à son actif toute une série de partitions écrites pour la télévision, et plus particulièrement pour la CBS, avec laquelle il travailla pendant plusieurs années. Si « City of Fear » fait indiscutablement partie des oeuvres de jeunesse oubliées du maestro, cela n’en demeure pas moins une étape importante dans la jeune carrière du compositeur à la fin des années 50 : le film d’Irving Lerner lui permit de s’attaquer pour la première fois au genre du thriller/polar au cinéma, genre dans lequel il deviendra une référence incontournable pour les décennies à venir. Pour Jerry Goldsmith, le challenge était double sur « City of Fear » : il fallait à la fois évoquer le suspense haletant du film sous la forme d’un compte à rebours, tout en évoquant la menace constante du cobalt-60, véritable anti-héros du film qui devient quasiment une sorte de personnage à part entière – tout en étant associé à Vince Edwards tout au long du récit. Pour Goldsmith, un premier choix s’imposa : celui de l’orchestration. Habitué à travailler pour la CBS avec des formations réduites, le maestro fit appel à un orchestre sans violons ni altos, mais avec tout un pupitre de percussions assez éclectique : xylophone, piano, marimba, harpe, cloches, vibraphone, timbales, caisse claire, glockenspiel, bongos, etc. Le pupitre des cuivres reste aussi très présent et assez imposant, tout comme celui des bois. Les cordes se résument finalement aux registres les plus graves, à travers l’utilisation quasi exclusive des violoncelles et des contrebasses. Dès les premières notes de la musique (« Get Away/Main Title »), Goldsmith établit sans équivoque une sombre atmosphère de poursuite et de danger, à travers une musique agitée, tendue et mouvementée. Alors que l’on aperçoit Ryker et son complice en train de s’échapper à toute vitesse en voiture, Goldsmith introduit une figure rythmique ascendante des cuivres, sur fond de rythmes complexes évoquant tout aussi bien Stravinsky que Bartok – deux influences majeures chez le maestro américain. On notera ici l’utilisation caractéristique du xylophone et des bongos, deux instruments qui seront très présents tout au long du score de « City of Fear », tandis que le piano renforce la tension par ses ponctuations de notes graves sur fond d’harmonies menaçantes des bois et des cuivres : une mélodie se dessine alors lentement au piccolo et au glockenspiel, et qui deviendra très rapidement le thème principal du score, thème empreint d’un certain mystère, tout en annonçant la menace à venir. C’est à partir de « Road Block » que Goldsmith introduit les sonorités associées dans le film à Ryker : on retrouve ici le jeu particulier des percussions (notes rapides de xylophone, ponctuation de piano/timbales) tandis qu’une trompette soliste fait ici son apparition, instrument rattaché dans le film à Ryker. La trompette revient dans « Motel », dans lequel les bongos créent ici un sentiment d’urgence sur fond de ponctuations de trombones et de timbales. Le morceau reflète parfaitement l’ambiance de paranoïa et de tension psychologique du film, tandis que les harmonies sombres du début sont reprises dans « The Facts », pour évoquer la menace du cobalt-60. Ce morceau permet alors à Jerry Goldsmith de développer les sonorités associées à la substance toxique dans le film (un peu comme il le fera quelques années plus tard dans le film « The Satan Bug » en 1965), par le biais de ponctuations de trompettes en sourdine, de percussion métallique et d’un raclement de guiro, évoquant judicieusement le contenant métallique du cobalt-60, que transporte Ryker tout au long du film (croyant à tort qu’il contient de la drogue). « Montage #1 » est quand à lui un premier morceau-clé de la partition de « City of Fear », car le morceau introduit les sonorités associées aux policiers qui traquent le fugitif tout au long du film. Goldsmith met ici l’accent sur un ostinato quasi guerrier de timbales agressives sur fond de cuivres en sourdine, de bois aigus et de caisse claire quasi martial : le morceau possède d’ailleurs un côté militaire assez impressionnant, évoquant les forces policières et l’urgence de la situation : stopper le fugitif à tout prix. Le réalisateur offre même une séquence de montage illustrant les préparatifs de la police pour le début de la course poursuite dans toute la ville, ce qui permet au maestro de s’exprimer pleinement en musique avec « Montage #1 ». Plus particulier, « Tennis Shoes » introduit du jazz traditionnel pour le côté « polar » du film (à noter que le pianiste du score n’est autre que le jeune John Williams !). Le morceau est associé dans le film au personnage de Pete Hallon (Sherwood Price), le gangster complice de Ryker que ce dernier finira par assassiner à la suite de plusieurs maladresses. Le motif jazzy d’Hallon revient ensuite dans « The Shoes » et « Montage #2 », qui reprend le même sentiment d’urgence que la première séquence de montage policier, avec le retour ici du motif descendant rapide de 7 notes qui introduisait le film au tout début de « Get Away/Main Title ». La mélodie principale de piccolo sur fond d’harmonies sombres de bois reviennent enfin dans « You Can’t Stay », rappelant encore une fois la menace du cobalt-60, avec une opposition étonnante ici entre le registre très aigu de la mélodie et l’extrême grave des harmonies, un élément qui renforce davantage la tension dans la musique du film. Le morceau développe ensuite le thème principal pour les dernières secondes du morceau, reprenant une bonne partie du « Main Title ». La tension monte ensuite d’un cran dans le sombre et agité « Taxicab », reprenant les ponctuations métalliques et agressives associées au cobalt-60 (avec son effet particulier du raclement de guiro cubain), tout comme le sombre « Waiting » ou l’oppressant « Search » et son écriture torturée de cordes évoquant la dégradation physique et mentale de Ryker, contaminé par le cobalt-60. « Search » permet au compositeur de mélanger les sonorités métalliques de la substance toxique, la trompette « polar » de Ryker et les harmonies sombres et torturées du « Main Title », aboutissant aux rythmes de bongos/xylophone syncopés complexes de « Track Down » et au climax brutal de « End of the Road » avec sa série de notes staccatos complexes de trompettes et contrebasses. La tension orchestrale de « End of the Road » aboutit finalement à la coda agressive de « Finale », dans lequel Goldsmith résume ses principales idées sonores/thématiques/instrumentales de sa partition en moins de 2 minutes pour la conclusion du film – on retrouve ainsi le motif descendant du « Main Title », le thème principal, le motif métallique et le raclement de guiro du cobalt-60 – un final somme toute assez sombre et élégiaque, typique de Goldsmith. Vous l’aurez certainement compris, « City of Fear » possède déjà les principaux atouts du style Jerry Goldsmith, bien plus reconnaissable ici que dans son premier essai de 1957, « Black Patch ». La musique de « City of Fear » reste d'ailleurs le meilleur élément du long-métrage un peu pauvre d'Irving Lerner : aux images sèches et peu inspirantes du film, Goldsmith répond par une musique sombre, complexe, virile, nerveuse et oppressante. Le musicien met en avant tout au long du film d’Irving Lerner une instrumentation personnelle, mélangeant les influences du XXe siècle (Stravinsky, Bartok, etc.) avec une inventivité et une modernité déconcertante - on est déjà en plein dans le style suspense du Goldsmith des années 60/70. Goldsmith fit partie à cette époque d’une nouvelle génération de musiciens qui apportèrent un point de vue différent et rafraîchissant à la musique de film hollywoodienne (Bernard Herrmann ayant déjà ouvert la voie à cette nouvelle conception) : là où un Steiner ou un Newman aurait proposé une musique purement jazzy ou même inspirée du Romantisme allemand, Goldsmith ira davantage vers la musique extra européenne tout en bousculant l’orchestre hollywoodien traditionnel et en s’affranchissant des figures rythmiques classiques, mélodiques et harmoniques du Golden Age hollywoodien. Sans être un chef-d’oeuvre dans son genre, « City of Fear » reste malgré tout un premier score majeur dans les musiques de jeunesse de Jerry Goldsmith : cette partition, pas si anecdotique qu’elle en a l’air au premier abord, servira de pont vers de futures partitions telles que « The Prize » et surtout « The Satan Bug ». « City of Fear » permit ainsi à Goldsmith de concrétiser ses idées qu’il développa tout au long de ses années à la CBS, et les amplifia sur le film d’Iriving Lerner à l’échelle cinématographique, annonçant déjà certaines de ses futures grandes musiques d’action/suspense pour les décennies à venir – les recettes du style Goldsmith sont déjà là : rythmes syncopés complexes, orchestrations inventives, développements thématiques riches, travail passionné sur la relation image/musique, etc. Voilà donc une musique rare et un peu oubliée du maestro californien, à redécouvrir rapidement grâce à l’excellente édition CD publiée par Intrada, qui contient l’intégralité des 29 minutes écrites par Goldsmith pour « City of Fear », le tout servi par un son tout à fait honorable pour un enregistrement de 1959 !